Coreografía, el arte de crear y organizar bailes. La palabra deriva del griego para "bailar" y para "escribir". En los siglos XVII y XVIII, de hecho significó el registro escrito de los bailes. Sin embargo, en los siglos XIX y XX, el significado cambió, de manera inexacta pero universal, mientras que el registro escrito se conoció como notación de danza.
danza: coreografía
La coreografía es el arte de hacer danzas, la reunión y organización del movimiento en orden y patrón. Más reciente
Sigue un breve tratamiento de la coreografía. Para un tratamiento completo, ver danza: Coreografía; danza occidental.
La composición de la danza es creativa de la misma manera que lo es la composición de la música. La notación de la danza, sin embargo, es un trabajo de análisis y presentación de informes, realizada generalmente por personas distintas del coreógrafo, en lenguaje o signos que el creador puede no entender.
Durante el Renacimiento, los maestros de danza en Italia, como Domenico da Piacenza, enseñaron danzas sociales en la corte y probablemente comenzaron a inventar nuevas o organizar variantes de danzas conocidas, combinando así una función creativa con sus educativas. El ballet escenificado empleó los mismos pasos y movimientos que la danza social y difería principalmente de la disposición del piso y la proyección visual.
En el siglo XVI, los maestros de danza en la corte francesa organizaron los patrones de piso y los contextos teatrales y artísticos de sus bailes sociales para iniciar una forma coreográfica, el ballet de cour. En los dos siglos que siguieron, la brecha entre la danza social y la danza teatral se amplió hasta que el ballet en el siglo XIX alcanzó un vocabulario básicamente independiente.
El maestro de ballet de esta época, el coreógrafo, fue un arreglista de la danza como un arte teatral. El gigante del arte coreográfico de finales del siglo XVIII fue Jean-Georges Noverre, cuyo trabajo y escritos hicieron que se celebrara el dramático ballet o ballet d'action. En esto, el ballet incorporó mimos, así como bailes académicos, dando expresión a la danza por medio del contexto narrativo e histriónico. Después de Noverre y su contemporáneo Gasparo Angiolini, otros desarrollaron esta tendencia de varias maneras, especialmente Jean Dauberval en la representación realista de la gente del campo contemporánea, Charles Didelot en su avance hacia la ilusión y fantasía del escenario romántico, y Salvatore Viganò en el uso dramático del conjunto (coreodramma) y naturalidad del gesto trágico.
Los coreógrafos del movimiento romántico emplearon el ballet, codificado por maestros como Carlo Blasis, principalmente en las formas teatrales de ballet d'action de la época de Noverre o en divertidas óperas (interludios de ballet). La bailarina, su papel realzado por el trabajo de punta recién inventado (posición de equilibrio en la punta extrema del dedo del pie), y el cuerpo de ballet femenino adquirieron una nueva importancia. Los coreógrafos que mejor desarrollaron el arte de la narrativa de danza teatral fueron August Bournonville en Copenhague; Jules Perrot, particularmente en Londres y San Petersburgo; y Marius Petipa, quien en San Petersburgo llevó al espectacular ballet clásico de acción a su apogeo en obras como La bella durmiente, en la que amplias y complejas suites de danza clásica aportaron expresión poética y metafórica a la trama.
La danza moderna temprana en los Estados Unidos introdujo nuevos elementos de movimiento y expresión; y en el ballet, el trabajo de Michel Fokine enfatizó estilos más naturalistas y una imagen teatral más potente que el clasicismo del ballet de Petipa. Desde entonces, las formas coreográficas han variado entre los polos de representación y abstracción.
La notación de la danza en el siglo XX se preocupó tanto por el movimiento básico como por la danza formal y fue asistida por la invención de nuevos sistemas de símbolos abstractos, siendo los más influyentes los de Rudolf von Laban y Rudolf Benesh. Labanotación fue la primera en indicar duración, fluidez o intensidad de movimiento. Hoy, estos sistemas y otros continúan evolucionando rápidamente, amplificados por películas y cintas de video.
La coreografía evolucionó no menos rápido. Los métodos de composición varían radicalmente: algunos coreógrafos utilizan las improvisaciones de sus bailarines como materia prima, otros diseñan cada movimiento antes del ensayo. Merce Cunningham cambió radicalmente el contexto de la coreografía en su actitud hacia la música y la decoración como una coincidencia (en lugar de colaborativa o de apoyo) para bailar, en su empleo de métodos casuales en la composición y organización de la danza, y en su uso del espacio de actuación no teatral. Él, George Balanchine y Sir Frederick Ashton se convirtieron en los principales exponentes de la danza clásica o abstracta; pero los dos últimos, como Martha Graham, Leonide Massine, Jerome Robbins y otros, también produjeron importantes obras representativas de coreografía. Las únicas reglas absolutas en la coreografía de hoy son que debe imponer un orden sobre la danza más allá del nivel de la improvisación pura y que debe dar forma a la danza en las tres dimensiones del espacio y la cuarta dimensión del tiempo, así como de acuerdo con el potencial del ser humano. cuerpo.
