Música Koto
Escuelas y géneros
El koto, una cítara de 13 cuerdas con puentes móviles, ha sido mencionado como uno de los instrumentos básicos de los conjuntos de la corte, así como un elemento cultural común para las damas de la corte. El desarrollo de géneros independientes de música de cámara y solo para ese instrumento se hace más evidente a medida que uno avanza hacia el período Muromachi (1338-1573). La primera escuela sobreviviente de música de koto en solitario es Tsukushi-goto. Se observó por primera vez a fines del siglo XVI en la isla de Kyushu, donde, a lo largo de los siglos, los refugiados y exiliados de la corte se reunieron durante los disturbios en Kyōto. Las influencias chinas anteriores también se afirman como parte de su creación, aunque los hechos históricos son oscuros. Se dice que el repertorio de Tsukushi-goto comienza con variantes de canciones de la corte imayō. Los conjuntos de canciones fueron acompañados por el koto y, a veces, por el samisen desplumado de tres cuerdas (shamisen en dialecto de Tokio). Los sets se llamaron kumiuta, un término aplicado a gran parte de la música de cámara que siguió. Al sacerdote del siglo XVI Kenjun se le atribuye la creación de la escuela y sus primeras composiciones. La tradición se hizo más secular cuando apareció en Edo. Allí, un músico ciego del siglo XVII llamado Jōhide, que era estudiante de Hōsui, él mismo estudiante de Kenjun, desarrolló su propia versión de dicha música. Añadió composiciones en modismos y escalas más populares, se llamó Yatsuhashi Kengyō y fundó la escuela de koto Yatsuhashi. El título Yatsuhashi fue adoptado más tarde por otra escuela aparentemente no relacionada en el extremo sur de las Islas Ryukyu.
Escuelas adicionales de koto (zokuso) popular o "vulgar" reflejaban la vida mercantil del nuevo período Tokugawa (también llamado Edo) (1603-1867). En 1695, otra extensión de tercera generación de la tradición koto de Kenjun fue Ikuta Kengyō, quien comenzó su escuela Ikuta. El término kengyō había sido una de las filas básicas de músicos bajo el sistema de gremios y, por lo tanto, se encuentra con frecuencia en nombres profesionales, pero el nombre Ikuta permaneció como una de las principales fuentes de música koto hasta la creación de otra escuela por Yamada Kengyō (1757-1817). En el Japón actual, las escuelas Ikuta y Yamada siguen siendo populares, mientras que las tradiciones anteriores se han desvanecido considerablemente. Ambas escuelas han proporcionado compositores famosos, y hay varias piezas de sus escuelas, así como algunas obras anteriores, que ahora son compartidas por los gremios como parte del repertorio clásico del koto. La forma ligeramente más larga y estrecha del Ikuta koto produce un tono fácilmente distinguible del de la escuela Yamada.
La música de Koto se conoce en general como sōkyoku. En la música instrumental koto solo (shirabemono), el tipo más importante es el danmono, una pieza de variación en varias secciones (dan), cada una normalmente de 104 tiempos de duración. El término para la música de cámara koto, sankyoku, significa música para tres. La instrumentación estándar de hoy consiste en un jugador de koto que también canta, junto con artistas en un laúd samisen de tres cuerdas y una flauta shakuhachi. En épocas anteriores, una variante inclinada del samisen llamada kokyū se usaba con más frecuencia que la flauta. El género básico de la música de cámara se llama jiuta y combina la tradición kumiuta anterior de la canción acompañada con música instrumental alternando secciones con canto (uta) e interludios instrumentales (tegoto). Después del siglo XIX, una segunda parte de koto embellecedora (danawase) a menudo se agregaba a los interludios instrumentales. Las innovaciones del siglo XX se cubren a continuación.
Afinaciones y notación
Cada escuela de música de koto, desde la tradición cortesana hasta la actualidad, implica cambios en la estructura de los instrumentos, así como cambios en el método de reproducción y la notación. El antiguo koto de la corte (gaku-so) es similar al koto moderno y se juega con púas (tsume) en el pulgar y los dos primeros dedos de la mano derecha o con los dedos desnudos, aunque, a diferencia de los estilos Ikuta y Yamada, el izquierdo la mano no se usa para alterar el tono presionando la cuerda en el otro lado de los puentes móviles. Su notación consiste principalmente en los nombres de patrones básicos, además de fragmentos melódicos ocasionales y el texto. La supervivencia de dicha música depende de una continua tradición de memoria viable; así, la mayor parte de la tradición se pierde.
Las afinaciones de las 13 cuerdas del koto de la corte se derivaron de los modos de las escalas ryo y ritsu de los períodos anteriores. Las afinaciones utilizadas en las tradiciones de Edo koto, sin embargo, revelan nuevos sistemas tonales, aparentemente indígenas. Esos conceptos finalmente se clasificaron en las dos escalas llamadas yo y en. La sintonización hira-joshi aparece en trabajos tan famosos como Rokudan (Six Dans) atribuido a Yatsuhashi Kengyō, el "fundador" de los estilos modernos de koto. En total, hay unas 13 afinaciones estándar para el koto y muchas variantes. Al igual que todas las otras músicas japonesas populares del siglo XVII en adelante, esas afinaciones de koto se basan en la tradición más antigua conservada en parte en la forma yo o en la escala más "moderna". Se pueden observar piezas ocasionales del siglo XIX que se escribieron deliberadamente en el estilo de modo gagaku anterior, así como el uso de la afinación holandesa (oranda-choshi), la escala principal occidental derivada del área comercial holandesa en Deshima en Nagasaki. Sin embargo, el sistema yo-in sigue siendo la fuente tonal fundamental para la nueva música japonesa a partir del siglo XVII, con la excepción de la música de la corte revivida, las nuevas obras Noh y el trabajo de compositores de vanguardia después de la Segunda Guerra Mundial.
Las primeras anotaciones impresas de koto, samisen y piezas de flauta del período Tokugawa se encuentran en el Shichiku shōshinshū (1664), el Shichiku taizen (1685) y el Matsu no ha (1703). Aunque muchas secciones de tales colecciones contienen solo textos de canciones, ciertas piezas entre ellas son paralelas a la línea de palabras con números que representan cadenas en el koto o posiciones de los dedos en el samisen, nombres de patrones de koto estereotipados o mnemotécnicos para el instrumento particular con el que La pieza se aprende. A fines del siglo XVIII, las tradiciones koto y samisen desarrollaron notaciones más precisas visualmente. La versión koto (vista por primera vez en el Sōkyoku taisho, 1779) usaba puntos de varios tamaños para indicar el ritmo. A principios del siglo XIX, los números de cuerda se colocaban en columnas de cuadrados que representaban el ritmo. Los números y plazas, finalmente, se combinaron con el 2 / 4 barra de línea concepto de Occidente, por lo que las anotaciones de ambas escuelas hoy en día, aunque los sistemas separados, mantienen un equilibrio de las ideas tradicionales y occidentales. Las composiciones modernas intentan hacer lo mismo, pero antes de que puedan tratarse, se debe prestar atención a las tradiciones relacionadas con los otros instrumentos principales del período Tokugawa.
