Retratos
Los retratos dibujados del siglo XV, por Pisanello o Jan van Eyck, por ejemplo, pueden considerarse obras pictóricas completas en su concentración, ejecución y distribución del espacio. La representación clara y delicadamente delineada sigue cada detalle de la superficie, luchando por el realismo. Se prefiere el perfil, rico en detalles; parecido al alivio, es similar al medallón. Próximo al perfil puro, se destacó el perfil de tres cuartos, con su efecto más espacial, para seguir siendo durante siglos la clásica postura del retrato.
La estrecha relación con la pintura se aplica a prácticamente todos los dibujos de retratos del siglo XV. Una obra tan contundente como el dibujo de Durero del emperador Maximiliano se originó como un estudio de retrato para una pintura. Al mismo tiempo, sin embargo, algunos de los dibujos de retratos de Durero encarnan claramente la etapa final de una empresa artística, una ambivalencia que también se puede observar en otros retratistas del siglo XVI. Las obras de Jean y François Clouet en Francia y del joven Hans Holbein en Suiza y aún más notablemente en Inglaterra en el mismo siglo otorgaron una autonomía al dibujo de retratos, especialmente cuando un dibujo se completó con tiza de varios colores. La elección del medio más suave, el contorno, que con toda su exactitud es menos severamente autónomo, y el dibujo interior más delicado con elementos planos le da a estos dibujos un carácter más vivo y personal, y acentúa una vez más su proximidad a la pintura.
En técnica de tiza policromática y pastel, el dibujo de retrato mantuvo su independencia en el siglo XIX. En el siglo XVIII, Quentin de La Tour, François Boucher y Jean-Baptiste Chardin —todos estos artistas de Francia— se encontraban entre sus principales practicantes, e incluso Ingres, que vivía en el siglo XIX, todavía usaba su técnica. En pintura en colores pastel, el retrato pesaba más que todos los demás temas.
En la elección de pose, tipo y ejecución, la pintura de retratos, como otras formas de arte, está influenciada por las características estilísticas generales de una época. Por lo tanto, la actitud pictórica extrema del barroco tardío y el rococó fue seguida por una concepción más severa durante el neoclasicismo, que prefirió las técnicas monocromas y cultivó también la forma especial de la silueta, un dibujo de contorno de perfil con el área rellenada en negro. Inconfundiblemente en deuda con sus predecesores del siglo XV, los creadores de dibujos de retratos de principios del siglo XIX apuntaron una vez más a la representación exacta de los detalles y los efectos plásticos obtenidos a través de los medios gráficos más cuidadosamente elegidos: el lápiz delgado y duro era su instrumento favorito, y el punto plateado también fue redescubierto por los románticos.
Más interesados en los aspectos psicológicos del retrato, los dibujantes de finales de los siglos XIX y XX prefirieron los lápices de colores más suaves que siguen fácilmente cada impulso artístico. La incautación de elementos característicos y una adecuada representación del plano pesaron más que el detalle realista. Los elementos del humor, la tensión intelectual y el compromiso personal son características típicas del retrato moderno y, por lo tanto, también del dibujo de retratos modernos, un arte que continúa documentando la artesanía personal del artista más allá de las características de varias técnicas.
Paisajes
Ya en el siglo XV, los dibujos de paisajes también alcanzaron suficiente autonomía para que sea difícil distinguir entre el estudio terminado para el fondo de una pintura en particular y un paisaje esbozado independiente y autónomo. Ya en los cuadernos de bocetos del siglo XV de Jacopo Bellini (conservados en álbumes en el Museo Británico y el Louvre), existe una conexión íntima entre el estudio de la naturaleza y la estructura pictórica; En el estudio de Tiziano en el siglo XVI, los bocetos de paisajes deben haber sido mostrados como sugerencias para fondos pictóricos.
Pero fue Durero quien desarrolló el paisaje como una imagen recolectada y una obra de arte autónoma, en resumen, como un tema propio sin referencia a otras obras. Sus acuarelas, sobre todo, pero también los dibujos de sus dos viajes italianos, de los alrededores de Nuremberg y del viaje a los Países Bajos, representan los primeros dibujos de paisajes puros. Tuvieron que pasar siglos antes de que estos dibujos volvieran a ocurrir en esta formulación absoluta.
Los elementos del paisaje también fueron muy significativos en los dibujos e ilustraciones alemanes y holandeses del siglo XVI. La representación figurativa, aún existente en la mayoría de los casos, está formalmente bastante integrada en el paisaje romántico de bosques y praderas, particularmente en las obras de la Escuela del Danubio: Albrecht Altdorfer y Wolf Huber, por ejemplo. Con mayor frecuencia que en otras escuelas, uno encuentra aquí vistas de la naturaleza cuidadosamente ejecutadas. En los Países Bajos, Pieter Bruegel dibujó vistas topográficas, así como composiciones de paisajes libres, en ambos casos como obras autónomas.
En el siglo XVII, el estudio de la naturaleza y el dibujo del paisaje que surgió de él alcanzaron un nuevo nivel. Los dibujos de paisajes de la Accademia degli Incamminati (los de Domenichino, por ejemplo) combinan temas clásicos y mitológicos con paisajes heroicos. El francés Claude Lorrain, que vivía en Roma, trabajaba con frecuencia bajo el cielo abierto, creando dibujos de paisajes con una calidad atmosférica hasta ahora inalcanzada. Este tipo de paisaje cultivado e idealizado, representado también por Poussin y otros norteños que residen en Roma (fueron llamados romanistas holandeses en vista del hecho de que tantos artistas de los Países Bajos vivían en Roma, sus dibujos de Italia lograron una calidad casi etérea), está en contraste con el concepto de paisaje poco heroico y cercano a la naturaleza que sostienen principalmente los holandeses al representar el paisaje de su país natal. Todos los pintores de paisajes, sus pinturas de paisajes una especialidad fuertemente representada en los Países Bajos artísticamente especializados, también crearon dibujos de paisajes independientes (Jan van Goyen y Jacob van Ruisdael y su tío y primo, por ejemplo), con Rembrandt nuevamente ocupando una posición especial.: capturando las características de una región a menudo con solo unos pocos trazos, las mejoró de tal manera que adquieren un poder expresivo monumental incluso en el formato más pequeño. En la Italia del siglo XVIII, el dibujo del paisaje topográfico fiel ganó importancia con el advenimiento de los Vedutisti, los proveedores de "vistas", formando un grupo por sí mismos (entre ellos, Giambattista Piranesi y Canaletto [Canal Giovanni Antonio]) y trabajando a menudo con ayudas ópticas como el marco reticulado y la cámara oscura. Los dibujos de paisajes de mayor libertad artística, así como los paisajes imaginarios, fueron realizados con mayor éxito por algunos artistas franceses, entre ellos Hubert Robert; pictórica y atmosféricamente, estos temas alcanzaron un segundo florecimiento en los paisajes dibujados a pincel de artistas ingleses como Turner y Alexander Cozens, cuya influencia se extiende hasta el siglo XX.
Dado su gran interés en la delineación, los dibujantes del neoclasicismo del siglo XVIII y, aún más, del romanticismo observaron la naturaleza con precisión topográfica. Como un nuevo "descubrimiento", el mundo alpino exagerado romántica y heroicamente ahora ocupó su lugar en la mente del artista junto con la vista arcadiana del paisaje italiano.
Dibujos de paisajes y aún más, acuarelas, formaron un tema inagotable en el siglo XIX. El artista francés Jean-Baptiste-Camille Corot y, hacia finales de siglo, Cézanne y van Gogh, se encontraban entre los principales creadores de dibujos de paisajes. Los paisajes formaron parte del trabajo de muchos dibujantes del siglo XX, pero, durante gran parte del siglo, el género como tal ocupó el segundo lugar a los problemas generales de forma, en los que el tema fue tratado simplemente como un punto de partida. Sin embargo, durante los últimos 30 años del siglo XX, una gran cantidad de artistas estadounidenses volvieron a la representación, reinvirtiendo así en el paisaje como sujeto.
Composiciones de figuras y bodegones.
En comparación con los temas principales del dibujo autónomo (retrato y paisaje), todos los demás son de menor importancia. Las composiciones de figuras dependen en gran medida de la pintura de su tiempo y a menudo están directamente relacionadas con ella. Sin duda, hubo artistas que trataron en sus dibujos los temas de la pintura monumental, como el grabador y grabador del siglo XVII Raymond de La Fage; en general, sin embargo, el objetivo artístico de la composición de figuras es la imagen, con el dibujo representando una ayuda útil y una estación de paso. Las escenas de género, especialmente populares en los Países Bajos del siglo XVII (como lo hicieron Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade y Jan Steen, por ejemplo) y en Francia e Inglaterra del siglo XVIII, alcanzaron cierta posición independiente. También en el siglo XIX había dibujos que contaban historias de la vida cotidiana; a menudo de carácter ilustrativo, se les puede llamar "imágenes pequeñas", no solo por el formato frecuentemente multicolor sino también en su ejecución artística.
Los bodegones también pueden reclamar ser dibujos autónomos, especialmente las representaciones de flores, como las del artista holandés Jan van Huysum, que han sido populares desde el siglo XVII. Aquí, de nuevo, es cierto que una disposición bien diseñada transforma un estudio de naturaleza inmediato en una composición pictórica. En algunas de estas composiciones, la similitud con la pintura es muy fuerte; Los pasteles del artista de los siglos XIX y XX Odilon Redon, por ejemplo, o la obra del expresionista alemán del siglo XX Emil Nolde, con su intensidad cromática, trascienden por completo la línea divisoria entre el dibujo y la pintura. En los bodegones, como en los paisajes, los principios autónomos de la forma son más importantes para los artistas modernos que la declaración fáctica.
Dibujos fantasiosos y no representativos
Los dibujos con temas imaginarios y fantasiosos son más independientes de la realidad externa. Las apariciones de sueños, las metamorfosis y la unión de niveles y regiones de la realidad separados han sido temas tradicionales. Las obras fantasmagóricas de finales del siglo XV de Hieronymus Bosch son un ejemplo temprano. Hay escenas campesinas alegóricas del artista flamenco del siglo XVI Pieter Bruegel y los grabados de carnaval del artista francés del siglo XVII Jacques Callot. Otros cuyas obras ilustran lo que se puede hacer con el dibujo fuera del paisaje y el retrato son: el grabador italiano del siglo XVIII Giambattista Piranesi, el artista anglo-suizo del siglo XVIII Henry Fuseli, el ilustrador inglés del siglo XIX Walter Crane, el francés del siglo XIX Artista simbolista Gustave Moreau, y los surrealistas del siglo XX.
El arte no representativo, con su reducción de los elementos básicos del dibujo (punto, línea, plano) a forma pura, ofreció nuevos desafíos. A través de la renuncia a las relaciones corporativas y espaciales asociativas, el desarrollo de las dimensiones del dibujo y la estructura de los diversos medios adquieren un nuevo significado. Las cualidades gráficas de la línea en el plano, así como el área sin marcar, ya se habían enfatizado en épocas anteriores, por ejemplo, en el grotteschi de Giuseppe Arcimboldo en el siglo XVI (las representaciones fantásticas o fantásticas de formas humanas y animales a menudo combinadas con entre sí y entretejidos con representaciones de follaje, flores, frutas o similares) y en ejercicios caligráficos como moresques (adornos lineales fuertemente estilizados, basados en hojas y flores), pero principalmente como modelos de impresión o grabado para las tareas decorativas más dispares (decoración de interiores, muebles, utensilios, joyas, armas y similares).
